序
1961年冬春之交，我第一次近距离看到中国古琴。它出现在我的面前，是在北京大学一间空荡荡的教室里的一张木桌上。七根丝弦紧紧地绷在一个黑色的漆木音盒上。颇费一番周折之后，我才找到一个中国学生答应教我一些弹奏古琴的基本方法。开始上第一堂课那天，他带着琴来了。这是一把明代（1368~1644）的琴，是他的家族传承下来的。
我轻轻地拨动其中的一根弦，它发出一种使整个房间都颤动的声音。那音色清澈亮丽，但奇怪的是它竟还有种深邃低沉之感，仿佛这乐器是铜做的而不是木制的。在以后的很多年里，正是这音色让我着迷：从最轻弱细腻的泛音——如寺庙屋檐下的风铃，到浑厚低音颤动的深沉。
后来，我尝试着学习的曲子都是些古曲，音色简单，不像欧洲钢琴曲有丰富的音符，大多是单一的调子，有时在两根弦上同时弹奏八度，音调旋律交错共鸣。
古琴在两千多年的岁月里一直作为中国文人的重要乐器。许多优秀的琴师不是高僧就是哲人，弹奏古琴之于他们乃自我实现的一种方式，正如参禅，是解脱自我、求索智慧的一种途径。而对于满怀疲惫的官宦、贬谪流放的官员或者贫寒的诗人们来说，弹琴又能帮助他们逃避冷酷的现实，回归平静祥和，接近中华文化的精神实质。
这种乐器所受的崇尚之深，在中国无数的诗歌里被传唱。许多有关琴师命运的动人故事一直脍炙人口。而这拥有上千年历史的乐器至今仍被弹奏着。这是一段奇长而又充满生命力的传统。
但是，古琴的弹奏后来渐渐地被赋予了繁多的规则和要求，诸如何时可弹，何时不可弹，应当如何弹，衣着如何，坐姿如何以及琴房的布置，等等。并非你随心所欲，边烧饭边抓张琴谱跑进屋里，想弹就弹的。弹古琴需要做准备工作，既是具体的细节准备，又是精神上的准备。在某种意义上，弹古琴是一件相当神圣的事情。近几十年来古琴的神圣感确实有所降低，但它仍被视为稀罕之物，当作传家宝为人们所珍藏，即便家中已无人再弹奏它。不过我相信后继有人，琴声一定会有的。
古琴不好弹，总是一个接一个单调的乐音。如何把握这些单调的音，表达和传递它们的美是关键。它一共有二十六种颤音和五十四种明确区分的指法，含糊不得。
对初学者来说，有个难题就是它没有我们所习惯的那种乐谱。古琴“谱”只是一些汉字符号的组合，标明该在哪根琴弦上的哪个地方弹，该用哪个手指和哪种弹法。另外一个麻烦则是关于音乐节奏和乐句的划分，谱上并未详细注明，而且不知道该如何从一个调转换到另一个调。如果没有一个耐心的良师，一步一步地指点，真是无以得道。
古琴和其他高水准的乐器一样，都需要一生的锤炼和投入才能至善至美，而如此的锤炼和投入却是极少数人能够达到的。但通过粗浅地接触古琴音乐，我们不但有机会见识到这样一种极其独特而曼妙动听的音乐，也有机会与整个中国古典文化亲近起来。
古琴弹奏贯穿了儒家和道家的传统，亦包含了很多人生和修养的基本原则。每段音乐都充满了让人对大自然的联想——兰草、梅花、高山、流水、仙鹤和展翅的大雁，这些都是在漫长的中国历史上一再出现于诗歌、绘画当中的题材。
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